展覧会【ノワール×セザンヌ ―モダンを拓いた2人の巨匠】
オランジュリー美術館 オルセー美術館 コレクションより
会場：三菱一号館美術館
会期：2025年5月29日(木)～9月7日(日)
構成の原点、静物の胎動

《青りんごと洋梨のある静物》にみるセザンヌ初期のモダニズム的兆候

ポール・セザンヌといえば、もはや19世紀から20世紀にかけての美術史において、不可避の存在である。彼の手による静物画は、単なる果物や器物の再現ではなく、画面空間の秩序の再構築であり、「見ることの本質」に対する探究に他ならなかった。だが、そうした後年の構成主義的、あるいは分析的な様式の萌芽を、私たちはどの地点に見出すことができるのだろうか。

1873年から1875年にかけて制作されたとされる本作《青りんごと洋梨のある静物》は、その問いに対してある種の原点を提示してくれる。現在ではセザンヌ「帰属」の作とされており、厳密な真贋の確証は未決定であるものの、筆致、モティーフの扱い、空間構成の試みなどから、セザンヌ本人による初期作としての可能性はきわめて高いとされる。

この作品は2025年に開催される三菱一号館美術館展覧会「ルノワール×セザンヌ―モダンを拓いた2人の巨匠」において展示される予定である。その展示コンセプトの文脈の中で、本作が占める意義を理解することは、セザンヌという画家の軌跡と、美術史上における静物画の再定義の過程を紐解く鍵となる。

本作は、比較的小さなカンヴァスに、青りんごと洋梨という日常的な果物が並ぶ、ごくシンプルな構成である。果実はテーブルクロスの上に無造作に置かれ、背景はぼんやりとした茶褐色から灰青色へのグラデーションをなしている。視点は正面やや上方からであり、伝統的な遠近法のルールに則った安定した構図に見える。だが、この一見素朴な画面の中には、すでに後年のセザンヌを予感させる重要な要素がいくつも潜んでいる。

まず注目すべきは、果実一つ一つに与えられた「重さ」である。光と影の処理によって、りんごや洋梨の表面にはしっかりとした物質感が与えられ、それらは単なる色彩の塊ではなく、「重力によってテーブルに接している物体」として描かれている。この重さの表現は、印象派的な空気感よりもむしろ、バロック期の静物画のような存在感に近い。言い換えれば、この時点でセザンヌはすでに「見る」という行為を、感覚の快楽ではなく、物体の実在に向けていた。

この点において、《青りんごと洋梨のある静物》は、ルノワールとの対比において興味深い立ち位置を占める。同時期のルノワールが、柔らかい光とあふれる色彩によって、果物を官能的に描き出していたのに対し、本作は、対象に向けるまなざしの質そのものが異なる。セザンヌは「果物がそこにある」という事実を、観察と構築によって再提示しようとしているのである。

静物画はしばしば、「最も地味なジャンル」として位置づけられてきた。宗教画や歴史画のような物語性をもたず、人物画のような心理描写もない。だが、セザンヌにとっては、この「地味さ」こそが最大の利点であった。なぜなら、静物画こそが、絵画の純粋な構成力を試すための理想的なフィールドだったからである。

《青りんごと洋梨のある静物》においても、画面内には余計な物語性が排除され、果物とテーブルクロス、背景だけで構成されている。この単純化された舞台装置の中で、セザンヌは色と形、位置関係によって空間を構築しようとしている。その手法はまだ未成熟ではあるが、物体同士の配置のバランス、光の当たり方、陰影の濃淡などから、明確な構成意識が感じられる。

特に、青りんごと洋梨の対比は、色彩と形態の変奏として扱われており、青みがかったりんごの冷たさと、黄色味のある洋梨の温かさが、微妙な緊張感を画面にもたらしている。この果物の組み合わせは、セザンヌが好んで繰り返したモティーフであり、のちの数々の名作──たとえば《果物籠のある静物》（1890–94年頃）などにも通じる基本構造が、すでにこの時点で確立されつつあることがわかる。

本作における筆触は、印象派的な点描や揺らぐタッチとは一線を画している。輪郭は比較的明確に引かれており、物体と背景との間にある「線」の存在が意識されている点が、非常にセザンヌ的である。これは、彼がピサロの影響を受ける以前、あるいは影響を受けながらもそこから逸脱しようとした段階の「実験的な絵画観」のあらわれともいえる。

彼の言葉にある「自然を円筒、球、円錐で処理する」という理念は、のちのキュビスムやモダニズム美術に決定的な影響を与えることになるが、その萌芽はこの作品にもすでに宿っている。りんごや洋梨の形態は、有機的でありながらもどこか幾何学的であり、球体や楕円体としての構造を強調するように描かれている。セザンヌにとって果物とは、単に甘くて美味しそうな対象ではなく、「形ある存在」であり、絵画空間における構成要素なのである。

静物画において見逃せないのが背景の扱いである。《青りんごと洋梨のある静物》においても、背景は単なる「無地の壁」ではなく、色彩と質感の変化によって、空間の奥行きが巧みに操作されている。青と褐色がにじむように混ざり合う背景は、果物の明度や色彩との対比によって、視線を前景へと導くように設計されている。

これは、後年の作品における「遠近のねじれ」や「構図の不安定さ」につながる初期的な試行とも読み取れる。つまり、セザンヌはこの段階ですでに、「目に見える世界をただ写すこと」に満足していなかった。彼は、視覚的事実と画面構成との間に生じるズレ──すなわち「見ること」と「描くこと」の非一致性を、あえて絵画内に取り込もうとしていたのである。
《青りんごと洋梨のある静物》は、セザンヌの代表作群と比べれば、明らかに未熟であり、構成も筆致も粗さが残る。だが、それこそがこの作品の本質であり、価値でもある。なぜなら、そこには明らかに「後年のセザンヌ」を内包する種子が宿っており、その種がいかにして大樹となったのか──という視点で眺めることで、美術史の連続性と革新性を同時に見渡すことができるからだ。

この作品が、「ルノワール×セザンヌ」という対照的な二人の巨匠を並置する展覧会に出品されることには、特別な意味がある。ルノワールが色彩の祝祭を描いた画家であるとすれば、セザンヌは「色と形の関係性」を問うた思索者である。本作は、そうしたセザンヌ的思考の萌芽を可視化する貴重な資料であり、鑑賞者に対して「見るとは何か」「描くとは何か」という根源的な問いを静かに投げかけてくる。

小さな果物と簡素な構図の中に、近代絵画の革命が胎動している。その響きに耳を澄ませるとき、セザンヌのまなざしは、130年以上の時を経て、今を生きる我々の視線に接続されるのである。