「赤い扇」（有馬さとえ、1925年制作）は、大正時代の日本洋画における重要な作品であり、また、有馬さとえの画業を象徴する作品とも言えます。彼女は、鹿児島に生まれ、若い頃から絵画の道を志し、上京してからも多くの困難に立ち向かいながら画家としての地位を築いていきました。特に「赤い扇」は、有馬の画風が進化した時期を代表する作品であり、光と影を巧みに使いながら、女性像を描くその技法とテーマは、彼女の成長と独自性を如実に示しています。

この作品は、大正14年（1925年）の第6回帝展に出品され、当時の日本洋画の流れにおいても大きな注目を浴びました。ここでは、有馬さとえがいかにして自らのスタイルを確立していったのか、またその作品に込められた意味や背景について、さらに深く掘り下げて考察していきます。

有馬さとえは、1892年に鹿児島に生まれました。彼女は、若い頃から絵を描くことに興味を持ち、上京して画家としての道を歩み始めます。1911年頃に上京し、当初は岡田三郎助のもとで洋画を学びました。岡田三郎助は、日本の近代洋画運動における重要な人物で、女子に対する洋画指導にも尽力した人物です。しかし、岡田からは「望みを捨てろ」と諭される場面もあり、当時は女性画家として生きる道の険しさを感じることもあったでしょう。それにもかかわらず、有馬は画家になることを諦めず、日々努力を重ねました。

彼女が洋画家として本格的に認められるようになったのは、1920年代に入ってからです。文展や帝展に入選し、やがてその実力を広く認められることになります。有馬は、特に女性像を描くことに秀で、その美的感覚とともに、女性の内面に迫るような作品を数多く制作しました。

「赤い扇」は、有馬さとえが1925年に制作した油彩画で、キャンバスに描かれています。この作品は、第6回帝展に出品されたもので、当時の日本洋画界においても大きな注目を集めました。作品には、赤い扇子を手にした女性が描かれており、その姿勢や表情からは、落ち着きとくつろぎが感じられます。女性が座っている姿勢やその表情からは、安らぎと同時に内面的な強さが感じ取れるように描かれています。

構図としては、女性の姿が中央に配置され、その周りに穏やかな光と影が広がることで、人物が際立っています。女性の表情や手の動きからは、静かな力強さが伝わってきます。赤い扇子というアイテムは、作品におけるアクセントとして、視覚的な印象を強めるだけでなく、女性の心情や立ち位置を象徴的に表現しているとも言えます。扇子は、古くから日本文化において象徴的な役割を果たすアイテムであり、静けさの中にも潜む力や美を表現する上で重要な役割を果たしているのです。

有馬さとえの「赤い扇」における特徴的な要素の一つは、光と影の使い方です。この作品では、室内に座る女性の姿が、柔らかな光と深い影によって浮かび上がっています。光と影のコントラストは、女性の姿に立体感を与えるだけでなく、彼女の内面的な世界を表現するための手段として機能しています。

光の使い方には、印象派や後期印象派の影響が色濃く感じられます。特に、女性の顔や手のひらに落ちる柔らかな光は、彼女の内面の穏やかさや静けさを象徴しています。反対に、暗く陰影のある部分には、内面の複雑さや深みを感じさせるような効果が生まれています。こうした光と影のバランスが、作品に深い感情を与え、観る者に対して強い印象を与える要因となっています。

また、背景の暗い色調も、女性像を際立たせるために用いられています。背景が暗いことで、女性の姿がより明確に浮かび上がり、視覚的な焦点が一層強調されています。光と影のコントラストが、作品における静けさと動きのバランスを絶妙に保ちながら、視覚的な調和を生んでいます。

有馬さとえは、岡田三郎助のもとで洋画を学びましたが、「赤い扇」の頃にはその影響からの離脱が感じられます。岡田は、女性画家としての指導を行っただけでなく、技術的な面でも有馬に多大な影響を与えましたが、有馬が岡田の教えを超えていく過程がこの時期に顕著に現れています。

岡田の影響を受けていた時期の有馬は、初期の作品においては写実的な技法を用い、人物を描く際に自然主義的なアプローチを取っていました。しかし、「赤い扇」の制作にあたり、有馬は自らの感覚をより自由に表現し、光と影の対比を強調し、女性像をより内面的に掘り下げて描こうとしました。背景や構図におけるシンプルさも、彼女の独自のスタイルを確立するための一歩だったと言えます。

この時期、女性像を描くことにおいて、ただ美しい姿を描くのではなく、内面に迫ろうとする姿勢が顕著になりました。彼女は、女性をただの「モデル」としてではなく、感情や個性を持った存在として捉え、その表情やポーズを通じて、観る者に対して強い感情的な影響を与えようとしました。

「赤い扇」というタイトルが示すように、赤い扇子が作品における重要な象徴的な要素となっています。赤い色は、感情的な強さや情熱を象徴する色であり、また日本文化においては長い歴史を持つシンボルでもあります。扇子自体も、優雅さや静けさを象徴するアイテムであり、女性の内面の力強さと落ち着きの両方を表すものとして描かれています。

また、扇子の動きや形状も、女性の精神状態や心情を表現する手段として機能しています。扇子を持つ手の動きが静かでありながらも、力強さを感じさせる点が、作品全体のテーマである「内面の強さ」を際立たせています。

「赤い扇」が描かれた1925年は、大正時代の終わりであり、時代は次第に昭和へと移行していく過渡期にあたります。大正時代は、西洋文化の影響を受けつつも、日本独自の美意識を再確認しようとする動きが盛んだった時期でもありました。この時期、女性画家として活躍することは容易ではなかったものの、有馬さとえはその中で確実に自身のスタイルを築き上げていきました。

「赤い扇」における女性像は、彼女が描く女性像の中でも特に深い内面的な探求を示しており、大正時代の日本洋画における女性像の新たなアプローチを象徴しています。この作品が出品された帝展での評価も高く、有馬はその後、女性画家として初の特選を受賞するなど、彼女の画家としての地位を確立しました。

「赤い扇」は、有馬さとえの画家としての成長を示す重要な作品であり、その時代背景や彼女の個人的な経験が色濃く反映されています。光と影のコントラスト、赤い扇子という象徴的なアイテム、そして女性像に込められた内面的な力強さが、この作品に深い感情を与え、観る者に強い印象を残します。

有馬さとえは、困難な時代にあってもその努力と情熱で自らの道を切り開き、後の日本洋画界に大きな影響を与えました。「赤い扇」に表現された女性像は、彼女の画家としての成熟と、内面を深く掘り下げようとする姿勢が見事に表れた作品であり、今もなお多くの人々に感動を与え続けています。