作品66-1
元永定正と1960年代日本抽象絵画の臨界点

1966年に制作された元永定正の《作品66-1》は、戦後日本美術が内包していた緊張と解放、その両義性を静かに、しかし確実に体現した作品である。東京国立近代美術館に所蔵されるこの一作は、単なる個人の代表作にとどまらず、1960年代という時代が孕んでいた感覚の変容を、色彩と行為の痕跡として封じ込めている。

戦後二十年余を経た1960年代の日本社会は、急速な経済成長と都市化のただ中にあった。生活は物質的な豊かさを獲得する一方で、価値観や感覚の基準は大きく揺れ動いていた。美術の領域においても、戦後直後に強い影響力を持った抽象表現主義的な精神は次第に変質し、より軽やかで、より開かれた表現が模索されるようになる。元永定正は、まさにその転換点に立ち会った作家であった。

元永は1922年に生まれ、戦後日本美術の再編期を生き抜いた世代に属する。彼は具体美術協会の中心的メンバーとして知られ、とりわけ「絵画とは何か」「描くとはどのような行為か」という根源的な問いを、深刻さと遊び心の両方をもって追求した作家である。元永の抽象は、理念先行の構築ではなく、感覚と行為の積み重ねから自然に立ち上がるものであった。

《作品66-1》が制作された1966年は、元永の表現が一層自由度を増し、素材と行為の関係が洗練されていく時期にあたる。キャンバスにアクリル絵具を用いるという選択は、当時としてはすでに珍しいものではなかったが、元永にとってそれは技術的な更新以上の意味を持っていた。速乾性と発色の強さを備えたアクリルは、思考と身体の反応をほとんど時間差なく画面に定着させる。そこには、熟考よりも即応、計画よりも出来事としての絵画が志向されている。

《作品66-1》の画面に広がる色彩は、明確な主題や象徴を拒む。だが同時に、決して無秩序ではない。色と色の間には、目に見えない呼吸のような間合いが保たれ、線や面は互いに干渉しながら、全体としてひとつのリズムを形成している。そのリズムは、音楽的でありながら、決まった拍子を持たない。見る者は画面のどこか一点に視線を定めるのではなく、全体を漂うように知覚することになる。

元永は色彩を、感情の記号や象徴としてではなく、純粋な現象として扱った作家である。彼にとって色は意味を担う以前に、そこに「ある」ものであり、動き、ぶつかり、溶け合う存在であった。《作品66-1》においても、色は何かを指し示すのではなく、見るという行為そのものを活性化させる。観る者は色を解釈するのではなく、色に反応することを促される。

この作品には、元永が長く関心を寄せてきたアクション性も、過剰にならないかたちで息づいている。勢いよく引かれた線や、流動的に広がる色面は、身体的な動作の痕跡をとどめているが、そこには自己表出の誇示や劇的な身振りは見られない。行為はあくまで軽やかで、どこかユーモラスですらある。この軽さこそが、元永の抽象を特異なものにしている。

1960年代、日本の抽象絵画はしばしば二つの方向性の間で揺れていた。ひとつは、構造や理論を重視する厳格な抽象。もうひとつは、感覚や即興に重きを置く自由な抽象である。元永は、そのいずれかに明確に属することなく、両者のあわいに立ち続けた。《作品66-1》には、偶然性を受け入れながらも、画面全体を支える確かな構造感が存在している。

この構造感は、幾何学的な秩序や反復によってではなく、感覚的な均衡によって成立している。色の重さ、動きの方向、画面内の余白。そうした要素が、言語化される以前の判断によって配置され、結果として強い安定感を生み出す。元永の絵画は、論理ではなく経験によって理解されるべきものであり、その点で極めて身体的な芸術である。

《作品66-1》は、具象と抽象、意味と無意味、構築と即興といった対立を解消しようとはしない。むしろそれらを併存させたまま、ひとつの画面に定着させている。その在り方は、1960年代という不確かな時代を生きた感覚と深く共鳴しているように思われる。そこには、何かを断定する強さではなく、揺れ動きながらも前へ進もうとする柔らかな意志が感じられる。

元永定正の《作品66-1》は、抽象絵画が閉じた形式ではなく、開かれた経験の場でありうることを示した作品である。色彩と行為、構造と自由が静かに均衡するこの画面は、見る者に解釈を迫るのではなく、ただ「見ること」の豊かさを差し出す。そこにこそ、元永の芸術が持つ普遍性と、時代を超えてなお新鮮であり続ける理由がある。