飛ぶ鳥
三岸節子　自由と生成のイメージ

一九六二年に制作された三岸節子の《飛ぶ鳥》は、戦後日本絵画が到達した精神的成熟を象徴する作品のひとつである。そこに描かれているのは、単なる鳥の姿ではない。空間を切り裂くように広がる色彩と筆致は、生命の躍動そのものを可視化し、見る者の感覚を直接揺さぶる。本作は、三岸節子が長年にわたって探究してきた「生きること」と「描くこと」の本質が、ひとつのかたちとして結晶した絵画である。

三岸節子は一九〇三年、北海道に生まれた。大正から昭和、そして戦後という激動の時代を生き抜いた彼女の画業は、日本近代美術史のなかでも特異な位置を占めている。東京美術学校で学び、さらにパリでの滞在を通じて西洋絵画の思想と技法を吸収した三岸は、単なる模倣に終わることなく、自らの感覚と言葉を持った絵画を形成していった。

彼女の制作姿勢を特徴づけるのは、対象を写し取ることよりも、対象と向き合う際に生じる内的な震えを重視する点である。花、風景、人物、そして鳥——それらは常に、外界のモチーフであると同時に、自己の内面を映し出す媒介として扱われてきた。とりわけ一九五〇年代以降、三岸の絵画は次第に具象と抽象の境界を曖昧にし、形態は簡潔さを増し、色彩はより解放されていく。

《飛ぶ鳥》が描かれた六〇年代初頭は、彼女の画風が円熟期を迎えた時期にあたる。ここでの鳥は、羽毛の細部や生物学的な正確さから解き放たれ、飛翔という行為そのものの象徴へと変容している。画面に定着しているのは、一瞬の姿ではなく、飛び立ち、空を渡り、消え去っていくまでの運動の連なりである。

構図は安定を拒み、鳥の形態は画面の中心からわずかにずらされている。その配置によって、視線は常に先へと導かれ、静止することを許されない。これは偶然の選択ではなく、三岸が意図的に生み出した緊張関係である。飛ぶという行為が本質的に「未完」であり、「途中」であることを、彼女は構図そのものによって示している。

色彩は、この作品において決定的な役割を果たしている。青や白が広がる背景は空間の広がりを示唆しつつ、そこに重ねられる赤や黄、黒の力強い色面が、鳥の存在を強く浮かび上がらせる。これらの色は自然の再現というより、感情の濃度を示す指標であり、見る者の身体感覚に直接訴えかける。

油彩による重層的な筆致は、画面に厚みと抵抗を生み出している。絵具はなめらかに塗り重ねられるのではなく、ときに荒々しく、ときにためらうように置かれ、画家の呼吸や逡巡をそのまま留めている。その痕跡は、鳥の飛翔が単なる軽やかさではなく、意志と力を伴う行為であることを語っている。

鳥というモチーフは、美術史において自由や魂の象徴として繰り返し用いられてきた。三岸節子もまた、その伝統を踏まえつつ、個人的な経験と感覚を重ね合わせている。彼女にとって飛ぶ鳥とは、理想化された自由ではなく、困難や重力を引き受けたうえでなお空へ向かう存在であった。

《飛ぶ鳥》に漂うのは、高揚と同時に、わずかな緊張と不安である。それは、飛翔が常に危うさを伴う行為であることを示している。しかし、その危うさこそが、生きることの真実であり、描くことの意味でもある。三岸は、その矛盾を解消することなく、画面の中に留めた。

この作品は、三岸節子が到達したひとつの境地を示すと同時に、完成という概念を拒む絵画でもある。鳥はすでに飛び立っており、観る者はその後姿を追うしかない。その視線の運動の中で、私たちは自由とは何か、生成とは何かを、あらためて自らに問い返すことになる。

《飛ぶ鳥》は、生命の一瞬を描いた作品であると同時に、生き続ける意志そのものを刻印した絵画である。そこに込められた静かな力は、時代を超えて、今なお見る者の内面に羽ばたきを残し続けている。