桜図屏風
跡見玉枝　晩年のまなざしに咲く桜の宇宙

　春の光が静かに満ちるとき、屏風一双に広がる桜の世界は、時の流れをいったん留めるかのように、観る者を深い沈思へと誘う。昭和七年（一九三二）に跡見玉枝によって描かれた《桜図屏風》は、単なる花の図ではない。それは、近代日本画のなかで桜という主題を生涯にわたり見つめ続けた一人の女性画家が、到達した静かな結晶である。

　跡見玉枝は、明治後期から昭和にかけて活動し、写実と抒情を高度に調和させた日本画家であった。東京美術学校で研鑽を積んだ彼女は、花鳥や風景を通じて自然の精微な表情を描き出すことに力を注いだが、とりわけ桜は、彼女の制作を貫く中心的な主題であった。玉枝にとって桜とは、季節の装飾ではなく、生命の推移そのものを映す存在であったと言える。

　本作《桜図屏風》は、左右に展開する広大な画面に、十種に及ぶ桜を配し、それぞれの品種がもつ個性を一つひとつ丁寧に描き分けている。左近桜の清雅な気配、御車返し桜の華やかな重なり、そして名も異なる桜たちが、同じ春の光のもとでそれぞれの姿を現す。ここには図鑑的な博物学の視線と、詩的な情感とが、矛盾なく共存している。

　構図に目を向ければ、枝は画面を大きく横断しながらも、決して奔放にはならず、全体に緩やかな律動を与えている。満開の花は画面上方に集い、やがて散りゆく花弁は下方へと導かれる。この視線の流れは、春の盛りから終わりへと向かう時間の推移を、静かに示唆する。屏風という形式がもつ空間性は、ここで時間性へと転化され、鑑賞者は桜の「一瞬」と「循環」を同時に体感することになる。

　色彩はきわめて抑制されながらも、驚くほど豊かである。淡紅、白、わずかな紫味を帯びた花弁、そして枝の褐色や若葉の緑が、微細な階調によって描き分けられている。玉枝の筆は、花びら一枚一枚に均質な美を与えるのではなく、光の当たり方や重なりによる差異を丹念に追う。そこから生まれるのは、装飾的な華やかさではなく、自然そのものがもつ呼吸のようなリアリティである。

　技法の面では、細やかな線描と柔らかな彩色が相互に支え合い、花と枝に確かな量感を与えている。写生に裏打ちされた正確さは、決して冷たさに転じることなく、むしろ桜への親密なまなざしとして画面に定着している。背景は過度に語られず、淡く処理されることで、桜の存在を包み込む空気として機能している。この余白の扱いに、玉枝の成熟した画境を見ることができる。

　桜は、日本文化において、常に無常と結びつけられてきた花である。咲くことの歓びと、散ることの哀しみ。その両義性を、玉枝は感傷に流されることなく、静かな観照のうちに描き出す。本作に漂うのは、嘆きではなく受容であり、自然の循環を見つめる穏やかな知性である。そこには、晩年の画家が到達した、深い静謐がある。

　皇居三の丸尚蔵館に所蔵される《桜図屏風》は、近代日本画における花の表現を考えるうえで、欠かすことのできない作品である。それは、桜の美を尽くした絵であると同時に、一人の画家が自然と対話し続けた時間の集積でもある。屏風に咲く桜は、今もなお、見る者の心にそっと春を呼び起こし、静かな余韻を残し続けている。