果実を戴く沈黙の肖像
アントワーヌ・スーストルとアール・ヌーヴォー的女性表象の詩学

19世紀末から20世紀初頭にかけてのヨーロッパは、産業化と都市化の急激な進展によって、生活環境のみならず人々の感性そのものが大きく変容した時代であった。機械による大量生産が日常に浸透する一方で、芸術の領域ではそれに抗うかのように、手仕事の価値や自然への回帰を志向する動きが顕著となる。その象徴的な結実が、アール・ヌーヴォー様式である。曲線を多用し、植物や女性像を主題とするこの様式は、絵画、工芸、建築、グラフィックといった分野を横断しながら、ひとつの美意識として時代を覆った。

アントワーヌ・スーストルによる《イチゴとブドウで髪を飾る二人の女性》は、こうしたアール・ヌーヴォーの精神を静謐なかたちで体現した作品として位置づけられる。1910年頃の制作と考えられる本作は、声高な装飾性ではなく、抑制された色調と親密な女性表現によって、同時代の潮流に独自の応答を示している。

画面に描かれているのは、互いに身を寄せる二人の若い女性である。構図は上半身に限定され、背景は具体性を排した柔らかな色面として処理されている。そのため、鑑賞者の視線は必然的に、二人の顔立ちと髪に飾られた果実へと導かれる。彼女たちの表情は穏やかで、どこか内省的な静けさを湛えている。視線は観る者と交わることなく、遠くを見つめるかのようであり、その距離感が作品全体に沈黙の気配をもたらしている。

左の女性の髪を彩るのは、鮮やかな赤のイチゴである。その色彩は画面の中で最も強いアクセントとなり、若さや生命力を象徴する。一方、右の女性の髪には深い紫色のブドウが添えられている。こちらは成熟や精神性、豊穣といった連想を喚起する存在であり、両者は明確な対比関係を成している。スーストルは、この二種の果実を用いることで、単なる装飾を超えた象徴的構造を画面に組み込んでいる。

果実は古来より、女性像と結びつきながら多義的な意味を担ってきた。イチゴは中世キリスト教美術において純潔や徳を示す一方で、近代以降は愛や官能の暗喩としても解釈されてきた。ブドウもまた、宗教的祝祭やディオニュソス的陶酔を象徴しつつ、知性や成熟のメタファーとして機能してきた。本作において二人の女性がそれぞれ異なる果実を戴く姿は、若さと成熟、感情と理性、肉体と精神といった二項対立を、穏やかに並置する試みと読むことができる。

注目すべきは、こうした象徴性が決して説明的に強調されていない点である。スーストルの筆致はきわめて滑らかで、女性の肌や髪、果実の質感は繊細なグラデーションによって溶け合うように描かれている。そのため、象徴は即座に読み取られるものではなく、鑑賞者が静かに画面と向き合う中で、徐々に立ち現れてくる。ここに、本作の詩情と奥行きがある。

スーストルは装飾芸術と絵画の境界に立つ作家であり、商業美術と純粋美術の双方に関わった人物であった。アルフォンス・ミュシャに代表される同時代の作家が、明快な装飾構成と象徴性を前面に押し出したのに対し、スーストルはより内向的で、私的な感情に寄り添う女性像を描いたと言える。本作における二人の女性も、理想化された女神というよりは、現実に息づく存在としての親密さを備えている。

現在、本作が収蔵されている梶コレクションは、19世紀末から20世紀初頭のヨーロッパ装飾美術を体系的に紹介する貴重なコレクションとして知られている。その中にあって《イチゴとブドウで髪を飾る二人の女性》は、アール・ヌーヴォーの多様性と奥行きを示す作品として、静かな存在感を放っている。

この絵は決して雄弁ではない。しかし、果実の色彩と女性たちのまなざしに身を委ねるとき、そこには近代化の只中で失われつつあった自然との親密な関係や、人間の内面へのまなざしが、静かに息づいていることに気づかされる。スーストルの描いた二人の女性は、時代の喧騒から距離を保ちながら、今なお私たちに沈黙の問いを投げかけ続けているのである。