優美なる祈りのかたち――ブーシェ《聖母子と幼児洗礼者聖ヨハネおよび天使たち》にみるロココ的信仰の親密性
18世紀フランス文化における宗教と享楽、そしてその批評的運命

18世紀フランスの宮廷画家、フランソワ・ブーシェ。彼の名は今日、しばしば「ロココの享楽主義者」として語られる。愛らしいヴィーナスたち、陶酔するような牧歌の世界、美と官能に溢れた理想郷。それは確かに、啓蒙主義が推し進めた「理性」の時代には、軽薄で堕落したものと映ったのだろう。だが、そうした批判の声が鳴り止まぬ中にあっても、ブーシェの筆が描き出したもう一つの世界がある。親密で、静謐で、そして私的な信仰の場に寄り添う宗教画である。

その代表とも言えるのが、1765年に描かれた《聖母子と幼児洗礼者聖ヨハネおよび天使たち》である。現在はニューヨークのメトロポリタン美術館に収蔵されるこの小画は、楕円形の画面に柔らかな色彩が広がる、まるで室内の祈りの空気そのものを包み込んだかのような佇まいを持つ。聖母マリアの腕に抱かれる幼子イエス、傍らには小さな洗礼者ヨハネが子羊を従えて立つ。背景には天使たちが柔らかく舞い降り、全体を慈愛と安らぎの空気で満たしている。そこにあるのは、威厳や教義ではなく、母性と祈り、家庭的で親しい信仰の姿である。

ロココ美術の典型とも言える装飾性、そして筆致の軽やかさはここにも健在だ。だが、それは享楽のための技巧ではない。この作品においては、装飾性そのものが一つの信仰的表現となっている。光を受けて柔らかく発光する布地の質感、幼子の肌の滑らかさ、天使の羽のふんわりとした質感──それらは祈りの対象を現実から優しく引き離し、観る者を「神聖なる優しさ」へと導いてゆく。

このような宗教画は、当時の宮廷女性や貴族の私的礼拝室、あるいは個人のコレクションの中で静かに愛されたという。荘厳な祭壇画とは異なり、身近で、親密で、日々の信仰生活に寄り添うかたちで置かれたのである。聖母の眼差しには、女神的な超越性よりも、母としての柔らかな共感が宿っている。それは、母であり、妻であり、家庭の祈り手であった当時の貴婦人たちにとって、自らを重ね合わせることのできる対象であったに違いない。

だが、こうした優美な聖母像は、必ずしも美術批評の世界では歓迎されたわけではない。哲学者・批評家ディドロは、ブーシェを強く批判した代表的人物である。1761年のサロン評では、ブーシェの作品を「目を喜ばせるが、魂を堕落させる」と断じ、自然と道徳を欠いた享楽的絵画として退けた。とりわけ裸体画や神話画に対するその批判は苛烈で、ブーシェを「退廃の象徴」と見なした。しかし本作のような宗教的主題の小画においては、ディドロの批判もやや届きにくい場所がある。それは「公共」の展示空間ではなく、「私的」な祈りの場で味わわれるべき作品だったからだ。

実際、1765年という制作年はブーシェにとって特別な意味をもつ。彼はこの年、王立絵画彫刻アカデミーの総裁に就任し、名実ともにフランス美術界の頂点に立った。同時に、時代は彼に背を向け始めてもいた。新古典主義の波が静かに、しかし確実に押し寄せていたのである。ダヴィッドのような若き画家たちが掲げた理性と道徳、歴史の重みを尊ぶ絵画は、ブーシェの甘美な世界を過去のものとして退けた。本作のような作品は、やがて「時代遅れ」の象徴として、芸術の中心から静かに姿を消してゆく。

けれども、芸術作品の命は批評の言葉よりも長い。19世紀後半、ゴンクール兄弟らによってロココは再評価される。彼らは、かつてディドロが「退廃」と断じたロココの装飾性と繊細さを「18世紀の精神の華」として賞賛し、ブーシェの宗教画にさえ美的な深みと精神性を見出そうとした。こうして、忘れられかけた《聖母子》は再び光のもとに現れ、その優美さと親密さが新たな価値を帯びるようになる。

今、私たちはこの作品の前に立ち、ただ宗教的象徴を読み解くだけではない。そこには18世紀のフランス社会の複雑な感情、享楽と信仰の間で揺れる心、そして批評と享受の乖離が映し出されている。ブーシェの《聖母子と幼児洗礼者聖ヨハネおよび天使たち》は、その穏やかな美しさの背後に、時代の矛盾と豊かさを静かに抱えている。そして私たちに問いかける──「信仰とは、崇高さのみを求めるものなのか。それとも、美しさに宿る優しさもまた、祈りのかたちなのではないか」と。